Filmes

Ontem foi lançado no festival de cinema mais bizarro francês. Este é o novo trabalho é Leos Carax, um diretor que passou anos em cada filme, e que desta vez traz Santo Motors, uma obra de ficção científica que narra as 24 horas de Monsier Oscar, interpretado por Denis Lavant, o que muda enfrentar e viver vidas diferentes. Assim, realiza a vida executiva, um mendigo, um assassino de um pai, um monstro ... tudo em busca da cerimônia de verdadeiramente belo, e acompanhado por uma loira que ajuda você a se mover ao redor de Paris. Relatamos o mesmo dia em que On the Road, de Walter Salles, e do sono e silêncio , por Jaime Rosales.

Monsier Oscar é um ator que age sem câmeras ou cenários, um ser que desenvolveu as múltiplas possibilidades de cada vida humana. Sartre disse que a angústia do homem é a liberdade absoluta de que tem que escolher, já que a incerteza pesar-nos para baixo. Para Monsieur Oscar, a liberdade é a única forma possível de vida, e transmutação, sua rotina diária. Sem dúvida o trabalho mais estranho do festival e tem gerado mais controvérsia, tem entre seu elenco com nomes como Kylie Minogue único, Eva Mendes e Michel Piccoli.

Na conferência de imprensa , o diretor falou com a linguagem pessoal, referências explícitas a filmes que enchem o filme, e têm servido para uma definição de cinema:

Eu odeio o termo de referência. Cinema é como uma ilha, uma ilha bonita, com um grande cemitério. Quando um filme é filme "

Em conferência de imprensa em conjunto, Lavant e Carax falaram sobre a relação do filme com a platéia. Leo vê os filmes como uma relação direta entre o espectador ea obra:

Eu me preocupo que eu vejo. Gostar de ¿? Com uma pessoa que gosta, e eu estarei satisfeito (...). Eu não gosto de filmes públicas, privadas filmes que faço.

O ator, Denis Lavant, afirmou este fim:

A relação do cineasta com o público é uma relação privada, numa relação de um indivíduo para outro, e não uma massa anônima.

Leos Carax retorna ao cinema depois de 4 anos de silêncio. É um gerenciador de pessoal, com poucos filmes a seu crédito e os problemas financeiros, ele quer transmitir o seu universo pessoal não é sem trair e produtores. Assim, a distância entre os filmes. Sua obra mais famosa é Les Amants du Pont Neuf (Amantes da Pont Neuf), uma história de amor entre dois mendigos na ponte em Paris.

Fotos: Site Oficial de Cannes

Ontem, Cannes foi repleta de estrelas e expectativas. E é que a adaptação de um dos livros fundamentais da história da literatura americana, que marcou gerações de jovens a partir dos anos cinquenta, foi apresentado no Festival. Na estrada (a caminho), uma obra-chave da geração Beat, há muito tempo estava procurando uma versão do filme, ea responsabilidade recaiu sobre os brasileiros Walter Salles. Ele já se apresentou no mesmo dia que Dream e Silence , por Jaime Rosales.

O livro eo filme contam a viagem de carro através dos Estados Unidos das principais figuras da Geração Beat, nos anos cinquenta, que é uma viagem iniciática de deboche, e conhecimento. Uma viagem ao estrangeiro, é uma viagem interior, uma autoconcimiento. Esta é uma canção para a descoberta, a grande epopeia dos tempos modernos na América, quando a aventura ainda é possível dentro do país, porque a civilização não cresceu tudo. Uma fuga da modernidade para a maioria a natureza selvagem e mais primitiva.

E por causa da relevância das figuras retratadas, fundição tem sido com muito cuidado. Assim, figuras importantes, como Kerouac, Burroughs e Ginsberg são interpretados por uma equipe de jovens celebridades de Hollywood sistema estelar: Garrett Hedlund, Sam Riley e Kristen Stewart ... Mas também encontramos atores mais consagrados, como Viggo Mortensen e Kirsten Dunst. Walter Salles fala sobre a importância desta eleição na conferência de imprensa :

Para mim, os atores são co-autores do filme. Nós fomos além do livro para fazer todos os esforços para preservar a sua essência. Queríamos trabalhar com um espírito de improvisação permanente.

Walter Salles tem um pensamento ao mesmo tempo em fazer o ajuste, como observado na conferência de imprensa:

Demorou oito anos para fazer este filme. Até pensei em fazer um documentário para o uso como uma base. A história é bastante para o período anterior à Geração Beat. Conta o despertar político e social de dois jovens que descobrem uma geografia humana da qual eles não sabiam nada.

Viggo Mortensen falou da importância da adaptação, como visto nos conflitos contemporâneos:

Eu li o livro novamente para fazer o filme e percebi que é muito atual. Hoje, vemos também alguma relutância por parte dos jovens para a crise econômica e as autoridades. Acho que foi o momento certo para lançar o filme. As pessoas da minha geração, provavelmente reler o livro com alguma nostalgia, e os jovens, se identificam com o tempo, com o que aconteceu. O que eu gosto do livro é a extraordinária liberdade de interpretação oferecida. Walter fez algo com os novos personagens, não apenas para fazer uma cópia idêntica.

E Kristen Stewart falou sobre sua personagem Marylou:

Eu realmente gosto do caráter de Marylou. Tem uma personalidade muito forte e que ele diz é irrelevante. Não um rebelde, é ela mesma. Sua prioridade é ser humano. Para mim, ela encarna o espírito do livro. Quando eu tinha dúvidas sobre o tiroteio, ele realmente senti sua presença.

Walter Salles é por excelência o diretor da Road Movies, após o retrato de Che em viagem Diários de Motocicleta, Central Station e Brasil (1995). Seus personagens estão sempre à procura da sua identidade na viagem, deixando a segurança do lar. Como ele aparece para fazer, porque sua carreira foi desenvolvida por diferentes países, como Brasil, Argentina e os EUA.

Fotos: site oficial em Cannes

Abbas Kiarostami radicalizou suas propostas narrativas. Ou melhor, não narrativas mais radicais propostas porque tiras a história de todos os ornamentos para deixar um esquema de chave, apenas um esboço, que quebra antes da eclosão do conflito. Porque o filme contém Kiarostami conter outros em 15 minutos.

Como alguém no amor, até agora o festival proposta mais experimental, mostra o relacionamento entre uma garota de programa jovem japonês (Rin Takanashi), que recorre à prostituição para financiar os seus estudos, com um ancião (Tadashi Okuno) que exigem seus serviços e protege-lo da fúria de seu namorado dominante (Ryo Kase). E ao redor, tudo é podada de reviravoltas narrativas, é uma história simples, mas permite olhar melhor em seu desenvolvimento.

Tudo é narrado em tempo real. Não há praticamente uma elipse, na noite em que eles compartilham cama (não sei se eles mentem ou não, mas nunca mente). E o resto são em tempo real viagens ao Japão, e de carro, como sempre em Kiarostami. Esse carro que oferece proteção e aventura partes iguais, um espaço íntimo em um ambiente aberto. O carro serve como o diretor para fazer a coleta necessária para a expressão da emoção e confiança, como observado em O Sabor da Cereja, um filme que ganhou a Palma de Ouro em 1997.

Como de costume em seus filmes, o filme começa in medias res, em um bar de jazz onde a menina está relacionado com o cafetão. Mas não se sabe, as suas intenções até que o meio do filme. E é que Kiarostami quer evitar julgamentos morais espectador sobre o personagem: as explosões de caracteres com gestos e ações mal interpretado pelo espectador, e somente com o passar do tempo iremos apreensão, mas no início é uma tempestade de incerteza.

Tudo é atravessada pelo som do telefone, o que impede o contato real entre os personagens. A mediação eletrônica parece interromper o diálogo, e mais em uma sociedade como o Japão ultratecnológica. E aqui vem, talvez, uma das maiores inovações do filme, ao mesmo tempo é uma linguagem cinematográfica inovadora. O ouvinte de correio de voz garota de programa tudo no táxi enquanto olha para o Japão, que filtra através da janela, ouvimos a voz de sua avó, abandonado pela moça, que enviou várias mensagens ao telefone para tentar obter com ele. Kiarostami diz todo o passado do jovem sem exibi-lo em uma brutal evasão de informações que chegam até nós indiretamente, através da voz da máquina. Cena magistral, talvez a mais arriscada do filme.

Como a palavra é mediada por meios eletrônicos, é apenas a aparência. Filmes Kiarostami, porque os filmes são sempre sobre o olhar. Daí a garota de programa auscultar quarto do velho, porque através dos olhos de sua decoração consegue desvendar sua psicologia. E, portanto, os passeios de carro, que servem para reduzir a subjetividade do ocupante do veículo e preencher o auto com o exterior. O exterior entra em seus personagens através da observação, os personagens tornam-se nulidades, olhos puros em tentar adivinhar o caos do mundo, e que não conseguem desvendar completamente.

Como filme de Haneke, novamente aborda a questão do confinamento. Incompreensível para o mundo, está em casa, tão essencial para o caráter das pessoas idosas. A casa e carro. Mas este encerramento é sitiantes. Assim, Kiarostami apresenta o conflito entre o isolamento do mundo através da eletrônica e do conhecimento, ou a saída para ela, apesar de incorrer em um momento difícil, como a prostituição de jovens.

Este é sem começo ou fim: ele começa in medias res e termina em outro desenvolver o nó da história Um presente contínuo é o que se desenvolve no filme, é por isso que os personagens estão erradas em seu caminho, de carro ou tenha corrigido os desvios. que parecem contribuir pouco para a narrativa. E não há narração, só isso que é atualizado com todas as possibilidades que ela traz para o personagem, com toda a liberdade que ele oferece. Importe o processo, não a chegada, a vida, e não metas. O tempo presente, com todas as escolhas de vida pela frente. Como conseqüência, o olhar, a olhar para (vista como sinônimo de conhecimento, não apenas ver, é que para sobreviver), você tem que abortar o passado eo futuro.

O mundo inteiro de opções em um avião condensado Kiarostami magnificamente típico e aqui leva à conclusão lógica: o plano dos personagens no carro do lado de fora, com o espelho que reflete o céu. Assim, em um avião, que é um instante, a vida interior e exterior se fundem céu, ea terra sujeita, e do mundo. Isso é cinema Kiarostami, um cinema da vida. Como disse Godard, o cinema Lumière começa com e termina com Kiarostami. E ele está certo: a destruição da narrativa que o termo do projecto entrou em colapso, deixando apenas a experiência de um presente que olhou para ganhar a introspecção.

Fotos: Materiais anômala

Michael Haneke conseguiu conciliar Amour dois elementos que parecem quase contraditórias: o seu sistema de frio formal, baseada no uso de aviões separados e fixas, permitindo a observação remota de dissecar os gestos dos personagens, ea proximidade com o personagem, identificação com o personagem rejeita o resto de sua filmografia. E assim tem ido Amour, um trabalho a frio e quente, áspera e perto de onde Haneke dá vida a um sistema formal que normalmente rejeita. Pois a experiência da doença, o amor eo ódio andam juntos.

O filme do sofrimento, por um velho magnificamente interpretada por Emmanuelle Riva, uma doença degenerativa, e mostra o impacto que isso tem sobre a família. Este é um filme tópico geralmente pouco, envolve uma pequena mudança de espaço, eo filme Haneke consegue dar o estatuto de um argumento que geralmente é secundário nos filmes. Mas o filme centra-se sobre o caráter do velho marido, magistralmente interpretado por Jean-Louis Trintignant, e vemos os efeitos destrutivos provoca a situação mentalmente. É um filme de um velho homem cuja esposa sofre de uma doença, não um filme sobre sofrendo da doença.

Mas o filme vai mais longe. Esta quebra da saúde serve para destacar falha do sistema burguês em que são inseridos antes e além de sua percepção. Isso é mostrado de primeiro plano violento, que operários recolher a casa para acessá-lo. Porque se algo fundou o sistema burguês, é a tentativa de controlar o mundo. Razão instrumental, como Adorno chamou: razão iluminista não se baseia no conhecimento, mas no domínio sobre o ambiente, e os burgueses procuram tal controle, definindo o tempo ou a divisão da casa de bordas bem definidas. E essa crítica na Haneke filme.

O tempo é um fluxo, e não um conjunto linear de relógios, e, eventualmente, os personagens dominam deve parar porque transborda. Daí a sucessão de reticências originais meticuloso no filme, que salta ignorado doença degenerativa e nos mostrar algumas conseqüências inesperadas para os personagens, que já não podem dominar a inclinação do tempo. Além disso, fala sobre planos para o futuro, que também compartilha com sua filha, interpretada por Isabelle Huppert, serão gradualmente abortar.

Mas a maior crítica é direcionada para o domínio do espaço por parte da burguesia. E é que todos os níveis do filme são internos, como a burguesia criou e estabeleceu em seu centro de controle de casa para observar o mundo, com bordas de paredes e portas, e não se aventurou a se perder no meio ambiente e deixou-se transbordar. Externamente existe uma só: quando os personagens assistir a um concerto de piano ea câmera é colocada no palco, filmando os rostos dos espectadores assistindo como espectadores, como atractivos para refletir sobre nossas condições de vida diárias. E nós não vemos o concerto a que assisti, porque os personagens são incapazes de ver além de si mesmos e sua vida burguesa fechado.

É o fechamento que leva ao colapso progressiva do caracter. Um fechamento impôs o estado de sua esposa e os cuidados devem oferecer, por isso o sonho no qual ele vê o elevador quebrado no corredor. Confinamento também dá a sua esposa, sua filha, pois impede o acesso ao quarto, envergonhado de seu estado de saúde. Mas acima de tudo, um confinamento auto-imposta que, não porque você quer silenciar as vozes que ninguém a criticar o cuidado que ele fornece para a esposa. Aí vêm alguns dos desenhos mais expressivos do trabalho: filmes de Haneke câmera as paisagens das pinturas a óleo penduradas nas paredes da casa, acrescentando o som da rua, mostrando que a única relação com a realidade do personagem é mediada por um trabalho criado por outro.

Haneke joga com o orgânico para a criação de simbolismo, e não introduzir elementos externos para gerar idéias. Daí o uso de imagens de casa, ou o surgimento de uma pomba na casa, o único sinal exterior, e que o primeiro caractere expulso da casa, e então no auge de seu colapso armadilhas e os cuidados. Então você está pronto para enfrentar o mundo, ou melhor, para enfrentar a morte.

Haneke continua com seus planos e meios de comunicação fixas, mostrando a vida dos personagens com respeito incrível, apesar da dureza de algumas cenas. Como de costume, não extradiegética música, porque Haneke quer mostrar os fatos brutos. Mas respira um sopro de vida não está presente em trabalhos anteriores, daí o apelo à tona em várias ocasiões, especialmente para filmar a velha e que gerou um sentimento de empatia no espectador. Então Amour Haneke mostra mais humana e é sem dúvida uma das obras-primas que nós deixamos este festival em 2012.

Fotos: site oficial em Cannes